抽象艺术主要分成两大类，一是几何抽象〔或称冷的抽象〕，以蒙德里安 (Mondrian) 为代表；另一为抒情抽象〔或称热的抽象〕，以康丁斯基〔Kandinsky〕为代表。如果你有留意，会发现在你身边有许多中高产阶层都会对抽象艺术有一种莫名的好感，时不时就会提到这两位艺术家的名字，而你却在欣赏或者听闻这些画时表现的一头雾水。今天，就要给大家敲黑板划重点了，以下几位抽象艺术的代表人物大家可要牢牢记性，他们的作品特点与创作理念有助于你了解学习抽象艺术的构成哦~

　　回答这问题首先要弄清楚抽象画是怎么出笼的，然后再来说一说看不懂的问题。

　　抽象艺术发生于西方机械时代以及战争加害之后，艺术家们的精神追索、焦虑状态下的思考。

　　1911年一群新崛起的德国画家开始向公共展览他们的作品。“青骑士”将成为德国的表现主义高峰，他们对于自由实践和独创性的推崇，打开了通往抽象艺术的道路。瓦西里·康定斯基是这个群体中最有影响的成员。他1910年的作品被评论家们看作抽象派的开山之作。

　　“神智学”作为一种宗教哲学，它可以追溯到久远的过去，但它又于19世纪末期重新出现对康定斯基和蒙特利安这样画家产生了深远的影响，美国神智学者布拉瓦茨基夫人在《神秘原理》一书中对神智学的基本原理做了系统地阐述。她认为一个物质的本质比它的属性更为重要。诸如康定斯基的新派艺术家们认为，抽象艺术将使人们获得精神上的升华。

　　康定斯基发现“心灵深处的必需”，它足以激发真正的艺术，于是他强迫自己抛弃已有具象艺术。康定斯基是俄罗斯人起初接受是律师的学业。他是一个艺术才华卓越而雄辩的人。1897年30岁的康定斯基决定去慕尼黑学习美术。青骑士创立之时，他已经在从“具象”中提取“抽象”，作为他向先锋艺术拓展的创造性跳板。有一天晚上，她从自己的一幅横放在画架上的画中突然发现了它正在放时不曾经被注意到的美，是那解放了的色彩和形式上的独立让他着迷。

　　我们来欣赏一下康定斯基的作品《即兴之31》（亦名《海战》）。凭藉这个提示，我们确实可以看到，他是如何描绘了两条相互炮击的大船，并且把细节抽象为画面上，那可以称之为壮丽的暴乱，他没有呈现海战，是以其混乱、勇气、激情和剧烈的运动是我们体验到了它。

　　康定斯基主要用色彩表现在一起，他们在画面中间跳跃、飞腾，在上方两角处粗略地减弱，在右下角又留下了一片不祥的污痕。画面上还有斑斑点点的污迹，不是油彩便是血污。战斗是在两条上升感极强的对角线之内进行的，创造出一个甚至显得更高的三角形布局。这种向上的走势赋予了暴力一种英雄主义的感觉。

　　直到40年代中期，纽约画派的画家就是后来人们所知道的抽象表现的艺术家们第一次公开展出了他们的作品。和许多其他现代艺术的运动一样，抽象表现主义，并不意味着某种特定的风格，还是一种泛指一种态度：并非所有的作品都是抽象的，而不是所有的作品都是表现性的。这些画家的共同之处，在于通常以巨幅画面表现道德主题——沉重而具有悲剧性。与此前几十年间的社会现实主义和描绘当地生活为特征的美国艺术相反，如今这些画家最为珍视的是个性和自发性的即兴创作。在符合传统的主题和风格面前，他们感到厌恶。因为这两者都已无法满足充分表达他们对生活的新的看法，是世上最抽象表现主义话，就来说，这种意义上的风格已经不再存在，他们全方位地吸取了创作的灵感。代表人物波洛克、德·库宁和罗思科。

　　说到抽象画，首先谈谈它产生的时代和相关艺术家。

　　19世纪末20世纪初，出现了对传统美术的反叛，艺术家不再热衷再现、写实、模仿的创作，而是主张表现自我感受，重视绘画语言本身。

　　康定斯基所著《论艺术的精神》可以说是抽象绘画理论上的奠基之作，被称为“现代绘画启示录”。我们则以他为轴心来看抽象绘画的前世今生。

　　在他之前，浪漫主义绘画已有表现艺术家个性的追求，后印象主义绘画亦拉开了对绘画语言本身的关注，随之而来的是艺术家们对艺术手法、艺术风格、艺术理念等方面的更热烈探索激情。其中有一位艺术家——康定斯基，他在艺术实践中意识到“是客观物象损毁了我的绘画，”于是开始了对绘画的形式、色彩等基本元素的研究。

　　创造的事物之所以是该事物，很大程度上是由于被确立了法度。而康定斯基所研究的贡献就在于对抽象主义绘画的精神实质做了深刻分析，并奠定了抽象主义绘画的某些基本原则。笼统来说，他追求艺术家的精神世界，通过非具象的形式传达世界的内在本质，强调绘画的自律性，强调色彩与形的独立表现价值。于是在他笔下，呈现出“热抽象”的典型风格。

　　抽象主义美术的理念在于把艺术活动看做是纯粹精神领域的事情，把美术语言和形式因素看成是独立的价值实体，表达着某种意念、情感或美感倾向。

　　抽象主义绘画，“冷抽象”风格的典型代表有“风格派”、“至上主义”；抽象表现主义的代表艺术家有波洛克，他打破构思的局限，强调创作的过程，实现内在意识的表达。通过了解更多的抽象主义艺术家，可以加深对抽象主义美术的理解。

　　那么，欣赏抽象画，便可从其存在的法度切入，以美术艺术语言和形式规则为理解基础，感受自己面对抽象画所激发的感觉，领会艺术家创作的潜意识或传达的内在精神。

　　抽象画和抽象艺术浅析

　　“抽象艺术”是指任何对真实自然物象的描绘予以简化或完全抽离的艺术，它的美感内容借由形体、线条、色彩的形式组合或结构来表现。

　　“抽象艺术”是与“具象艺术”相对的名称，也可称为非具象艺术。它的特征是缺乏描绘，用情绪的方法去表现概念和作画，而这种方法基本上就是属于表现现实主义的，最早见于康定斯基的作品。它是由各种反传统的艺术影响融合而来，特别是由野兽派、立体派演变而来。

　　抽象艺术与中国文化的渊源

　　在西方的抽象艺术概念传进中国之前，中国古代历史的文字记载中一直没有出现过“抽象”两个字，“抽象”两个字的汉字翻译是从日本转过来的。

　　抽象主义艺术从原始艺术、中世纪的宗教艺术、非洲和大洋洲艺术、东方的文字、书法中吸收了养料,也从中国传统文化的老庄哲学、佛教禅宗中择取了适应20世纪西方哲学和人们心理状态的观念。

　　一，抽象艺术的历史起源

　　从新石器时代迄今，显现于艺术品或装饰艺术中的抽象元素或抽象倾向，贯穿了整个艺术史。但抽象风格成为一种审美准则，却是到了20世纪初期由巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso，1881—1973）乔治·勃拉克（Georges Braque，1882—1963）领导的立体主义运动（cubism）发展之后才开始。

　　抽象”一词，原义指人类对事物非本质因素的舍弃与对本质因素的抽取。一部分原始艺术品和大部分工艺美术作品以及书法、建筑等艺术样式，就其形象与自然对象的偏离特征来说应属抽象艺术。但作为自觉的艺术思潮的抽象艺术则在20世纪兴起于欧美。诸多现代主义艺术流派如抽象表现主义、立体主义、塔希主义等均受此影响。

　　二，抽象艺术的特点

　　1、抽象艺术是无主题无逻辑无故事的艺术，是经验之外的生命感受，是通过抽象的色彩、线条、色块、构成来表达和叙述人性的艺术方式。

　　2、抽象艺术追求独创性，并把创新作为唯一的艺术。抽象艺术要挑战经验与世界，创造出前所未有的新美图画。

　　3、抽象艺术注重形式更甚于注意内容。形式可以千变万化，可以柳暗花明。抽象绘画还特别强调绘画语言的单纯性，即绘画形式的纯粹性，不带任何经验的构想。不模仿任何已有的创造，刻意在视觉空间，创造出独特的绘画语言，以鲜明的个性及艺术符号来完成画家对艺术的生命体验。

　　4、欣赏抽象艺术，懂与不懂是相对的。而人的文化修养、艺术修养决定了人的审美能力，这是绝对的。

　　5，抽象艺术是灵魂艺术。抽象艺术的世界是缥缈的世界，是游离的捉摸不定的世界，这个世界里的语言和生命深处的灵魂里的语言更为接近。因此当现实以精确的尺寸与标准让心与视线受禁锢，抽象艺术无边无际的漫游和没有围墙时空感应，给现代人的审美提供了新的平台，激活着现代人的猎奇心和创新意识，人们愿意在抽象艺术提供的平台上，编织自己的美感网络，构筑独属于自己灵魂的色彩世界。

　　6，抽象艺术是思维艺术。具像艺术是经验艺术，是理性和逻辑艺术，欣赏成为习惯，所以很少审美障碍。抽象艺术是非理性的，既无主题又无故事，完全要靠审美者自己的创造能力，思维想象能力，才能完成审美，因此抽象艺术对审美者要求特别高。在色彩线条面前，每个人的答案是不同的，不同的答案即是不同的思维。一个没有创造性思维的人是很难体会抽象艺术的奥秘的。

　　7，抽象艺术是高雅艺术。普及艺术是大众艺术，抽象艺术是高雅艺术。艺术的初衷也许只是玩耍，是轻松的发泄，是一种调皮，更是一种形式发现。是社会更让艺术成为生活备忘录，承担起本来应由政治来独自承担的责任。抽象艺术使艺术回归人性。着力于开发人性尚未被开发的潜意识和想象空间。人的需求分低级需求（温饱）、次低级需求（物质炫耀：如豪宅、汽车），高级需求：艺术享受：音乐、绘画等。

　　所谓的“抽象画”，就是和传统画不一样的画，无论是创作抽象画，还是欣赏抽象画，都不是以传统的方式进行创作和欣赏，抽象派油画没有传透的透视法，也就是没有透视效果，而且画中的人、物是呈现色彩的几何形状，就是“色块”，抽象画的线条通常都不流畅的，

　　在艺术上，抽象画是不以自然造型或具体物象为出发点，而以不受物质形式拘束，或以纯粹的形态为创作出发点，简单理解，抽象画是将原有的物体的结构特征打破，然后以各种不同的顺序方式重新安装起来，比如，可以把眼睛画成正方形的形状，把头画在背上，也可省略某些部分，

　　当知道抽象画是怎么一回事，就容易欣赏了，不过，抽象画都很丑陋，又由于抽象画没有固定一种创作方式，所以最终还是很难欣赏，抽象画的缺点很多，比如，没有内容、没有深度、没有信仰，看起来就是小孩子的“涂鸦”，没人看得懂，只有艺术家自己才能说出来画作表达的含义，当然了，这也是“无中生有、自圆其说”。

　　还有就是，艺术家并没有精心创作抽象画，因为抽象画本身就是想怎么画就怎么画，它不需要构图的，小孩子的“涂鸦”也没构图。20世纪西方抽象画大师毕加索晚年时期说过：“立体主义就是一场骗局”，换句话说，抽象画是毫无意义的，充其量只是刺激人们的视觉，产生一种新鲜感。立体主义就是抽象画的其中一种。

　　看抽象绘画时，什么是大师？什么是涂鸦？答案嘛，总是模棱两可。

　　“涂鸦”一词，就说明了你是从画面的表现形式上，去评判抽象艺术的。

　　艺术最初将模范自然的“真”与“美”作为评判的标准，每个阶段都有不同。

　　要想判断，就得知道抽象绘画的“大师水平”到底是什么？

　　跟模范自然相反，抽象艺术偏偏是一种不描述自然世界的艺术风格。

　　透过形状和颜色用艺术家主观的方式来表达，虽然有很多种流派，但都表达的是艺术家所理解的事物内在本质，而不再去效仿外在的形象，为的就是打破传统的绘画观念。

　　所以我们现在评判出的抽象绘画的“大师水平”，背后所代表的是艺术价值。

　　（波洛克作品）

　　（马列维奇作品）

　　抽象绘画大师作品中的艺术价值，更多的代表了多元化的文化追求，

　　比如，对个体自由的捍卫、对文化现代性的追求、对全球文化和本土意识的反思等等。

　　这些价值都不能单单的从画面的形式上判断出来。

　　普通人看抽象画时，就会觉得怎么这么简单？ 我也能画！

　　但把想象画画时容不容易操作，来评判“有没有水平”，这样是不对的。

　　所以，大师作品和“瞎画”之间，只是在形式上具有相似性。

　　说完了两者的区别，再说说怎么欣赏抽象画这回事儿，无论是哪一副大师作品还是“瞎画”的，每个人都可以主观的去进行欣赏。

　　因为抽象艺术的核心本来就是个人化的一种表达，尤其在艺术上捍卫的是个性、独立、自由。

　　那这就注定普通的观赏者很难像看一副故事画一样直接看懂画的是什么。

　　欣赏抽象绘画，需要的是一种“直觉”。

　　这种“直觉”从哪来？

　　需要对绘画的发展过程有基本的了解，对审美有一定的思考，以自我的感受为主，以此来理解抽象的表现形式。

　　这就又回到了对抽象绘画的欣赏是主观的，因为审美是有差异的，每个人都有自己独立的审美观点。

　　但是，审美不是价值。

　　大师的画很美，难道临摹的一模一样画不美吗？

　　但是这样的画区别就在于没有价值。

　　审美有自由，价值没有自由。

　　抽象绘画也有它共同的价值标准，是由他的创作者、表达的观念、艺术市场共同决定的。

　　只有价值是一个体系，才能全面评价艺术品。

　　那结论就出来了，如果你精心绘制一副抽象画，美院老师除了在形式美感上有更专业的审美判断、艺术修养以外，也只能跟普通人一样根据自己的感受，用“喜不喜欢”来判好与坏。

　　但是没法在裁判角度，单从形式上就看出它是否有“大师的价值”。

　　在抽象绘画上，光是审美不够去决定价值

　　而对于普通的欣赏者，我建议不要一看到抽象画，有几根线条，几个颜色，再一看作者，哦？大师？

　　再再一看拍卖价格？血压都高了，

　　立马觉得大师徒有虚名，自己也行了。

　　大师的画能经得起历史和市场所考验，你的“涂鸦”能行吗？

　　对于欣赏者来讲，抽象画的“懂”，不在于故事，因为它本就没有故事，有的只是情绪，感受。

　　不要问它表达了什么意思，作者是谁，卖了多少钱，当你不去想它表达了什么的时候，就更接近于理解事物的本质了。

　　而这不就是抽象绘画想表达的吗？

　　就像你买一件漂亮的衣服，衣服上有漂亮的图案，你也没有问过这颜色是什么意思呀。你只是觉得这个颜色你穿上它会显得你有活力，更能表达你自己。

　　还有中国的书法作品就和西方的抽象绘画有着形式上的联系，

　　你看书法作品时，看这个字写的好不好，跟这幅字的内容意思有关吗？

　　王羲之的《兰亭集序》作为书法史上的极品之作，这是《兰亭集序》本身的功劳吗？

　　（兰亭集序单字）

　　你旅游时感叹自然景色如此之美的时候，

　　不就是因为大自然的线条，色彩征服了你吗？

　　难道你感慨的是景区卖了多少钱的门票吗？

　　如果你非想理解各位抽象大师与“瞎画”的区别，

　　就要提高自己的艺术修养，多了解艺术的发展史，以及大师作品所处在的环境和背后的观念。

　　而平时对于抽象画的欣赏，你什么都不要想，就带着直觉去看。

　　请充分运用你的直觉与心灵，这时候你的喜不喜欢，就是欣赏它的关键。

　　因为有句话说的好，欣赏抽象绘画就像是一见钟情的恋爱，只对你个人有意义。

　　请以这个心态去欣赏，以上。

　　抽象的东西是不依形似而是以神韵而存，是艺术更高的境界，能让欣赏作品的人思维和联想更广阔更深远更能启迪欣赏者的思想，更能让欣赏者感染到作品的魅力。

　　抽象画就是与自然物象极少或完全没有相近之处，而又具强烈的形成构成面貌的绘画。但在一些人看来，抽象是一种不美观的食物。

　　抽象艺术一般被理解为一种不描述自然世界的艺术，反而透过形状个和颜色以主观方式来表达。20世纪初期，抽象艺术主要是表达自然世界的艺术，例如立体主义和未来派艺术，虽然夺取某事它不变的内在质量而不是效仿它的外在表现。抽象艺术，特别是由抽象绘画是现代艺术中一个非常突出的现象，它完全打破了艺术原来强调主题写实再现的局限，把艺术基本要素，进行抽象的组合，创造出抽象的形式，因而突破了艺术必须具有可以辨认形象的藩篱，开创了艺术新的发展天地。

　　抽象派被定义为没有比喻显示参考的艺术。更广阔的定义是以简化但又可以保留原始自然的方式来描述真实题材。概括地说，抽象画就是与自然物象极少或者完全没有相近之处，而又具有强烈的形成构成面貌的绘画，主要通过随机的图形组合来表达一种情绪或立体概念。

　　抽象画很难被人理解，要把生僻的作品形象化，比如涉及波洛克的绘画，就可以讲述他富有传奇色彩的经历。抽象艺术不是以物象的客观外表为表达标准的，再有学生和初始抽象美术的人会对艺术家产生误解，认为他们是随意地胡来，在这一点上可以把艺术家的成就或简介介绍给观众，以免产生误解。比如说，我们欣赏吴冠中的抽象绘画，可以结合他的写实作品，介绍艺术家的成就，使学生对他们有一种崇敬之情，这样就可以避免轻视抽象艺术行为的发生。

　　《老子》说“有无相生，难易相成”这是引导学生欣赏抽象美术的一种正确思维方法。具象的作品从表面上看给人一目了然，栩栩如生的感觉，但我们要从更深的层次去思考它，否则就容易把作品肤浅化。抽象的作品从表面上看生僻、艰涩，什么也看不出来，可我们要把它简单化，从事物最本质的层面去认识它。只有这样，我们才不会钻进抽象艺术的迷宫里去，从而能在艺术的海洋里受到熏陶，享受到美给我们带来的快乐。

　　图片来自网络

　　抽象画发端于上世纪的欧洲，一般意义上分为“热抽象”和“冷抽象”，俄国裔画家康定斯基为代表的热抽象，荷兰画家蒙德利安代表的冷抽象。

　　跟一般绘画不一样的是抽象画没有表现确定的事物形象，仅以色彩，线条，明暗的变化来表现情感情绪。一般人都倾向于欣赏具体的人物、景物，比较容易接受，似乎都能看懂，那么到底是不是完全看懂了呢？我看也未必。

　　比如新古典主义画家达维特的《马拉之死》表现了马拉死在浴缸里，写实的画面一目了然，可是马拉为什么死在浴缸里呢？一个表现刺杀现场的画面为什么显得这么安详甚至优雅呢？马拉之死的题材别人也画过场面可不一样，那又是为什么？所以以为具象写实的作品都能看懂就错了。

　　马拉之死▼

　　再比如，德拉克洛瓦的《自由引导人民》中间的人为什么上身赤裸？

　　具象和抽象相同之处

　　具象写实的作品容易看懂的地方是形象鲜明、具体可辨认，深层次的内涵和艺术思想和风格也不那么容易搞清楚;抽象作品容易看懂的是色彩、线条等画面构成要素，不好懂的同样是表达的内涵和艺术思想和风格。

　　真正懂艺术欣赏的恐怕都是少数派，看得懂连环画和读懂《最后的晚餐》不在一个层次。看了《红楼梦》的故事觉得精彩和读懂红楼是两回事。

　　题主看不懂抽象画也是正常的，我也不懂。其实绝大多数人都是看不懂的，一小部分是不懂装懂的。

　　赵无极作品▲

　　这一点可以从旅法画家赵無极的说法上来证明，赵先生说：“不要以为法国人欣赏趣味就高，一般的人都是差的。如我在克拉普，碰见一个人问我画的是什么画，我说抽象画。他说：噢！抽象画，毕加索、毕加索。你看在法国都这样，什么国家都一样，只有很少人懂你的画。不要以为你成名了，就有很多观众，没有这么简单的事，懂得你画的人，一个手都数得清楚。说是好多人都懂，那是骗人的话。”

　　康定斯基▲ 蒙德利安▼

　　哈哈，遇见一本简直是专门为这个问题而生的书啊，赶紧和朋友们分享，答案就在里面了。

　　悖论就是，我依然看不懂抽象画。这本书的意义也许并非是作者预先设定的目标，比如用还原主义搭建脑科学和视觉之间的桥梁，解析现代艺术的玄妙之处。

　　真正令人感兴趣的点恰似“功夫在诗外”的无心插柳，那就是为什么我要看抽象画？我都看不懂了，为什么还要看？

　　比如波洛克的滴画法，咱们没必要装，真心欣赏不了，最初的观感和如今没多大差别：这是谁家不小心把油漆溅的到处都是啊……然而，就像草书最早登上书法舞台时一样，即便有行书做了数百年的铺垫，但最初依然遭遇极大的攻讦。

　　从《最后的晚餐》到《大碗岛的星期天下午》、《作曲5号》，再到《1949年第1号》，这是人类绘画艺术的历程，我们往往感受更多的是画外之音，就像面对怀素的字外之思，当然“丑书”除外，这也许是另一部书应该重点讨论的问题了。

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